Cine para adolescentes que necesitamos ver todos.

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“Everyday”, una película de bajo presupuesto, destinada principalmente a un público específico –adolescentes y jóvenes adultos-, con una premisa difícil de aceptar, a priori, pero que promete ponernos a todos, frente a frente con conceptos muy importantes y muy interesantes como: el vivir el presente, vivir mirando la esencia de las cosas y no su cubierta exterior. Démonos el chance de escudriñarla y pensarla, a eso nos invita el tráiler oficial, que simplemente nos presenta a Rhiannon, una adolescente que conoce a “A” un espíritu o una entidad que puede permanecer entre nosotros, siempre y cuando despierte en un cuerpo diferente “Cada Día.”

Entre ellos surge una relación que nos planteará, en su desarrollo, asuntos profundos relacionados con ver el amor en otra persona sin importar su raza, su condición social, su contexto personal e incluso su género (concepción psico-social de lo femenino y lo masculino.) Este film dirigido por Michael Sucsy, es la adaptación cinematográfica del bestseller homónimo de David Levithan.

Tomando en cuenta que existen referentes fílmicos primordiales, como “Your name” (Tu nombre) Makoto Shinkai, que nos han logrado incentivar a explorar este tipo de fenómenos, realidades o hechos difíciles de digerir, esperamos que esta modesta película nos atrape y pueda hacernos reflexionar sobre lo realmente espinoso y vital de entender  la complejidad de las relaciones humanas, la atracción y el amor, especialmente en la conflictiva edad adolescente.

En una temporada -post verano- en que las carteleras de cine se llenan de productos de mero entretenimiento, y que por ello, exponen a un público joven al adormecimiento, es de agradecer a las compañías de distribución (Distrock), que nos traigan este tipo de producciones independientes con las que esperamos profundizar aún más en el mundo adolescente, en una etapa de la vida dónde es muy susceptible y áspero manejar conceptos sobre las relaciones entre las personas y las relaciones de pareja.

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“Cada Día”, película sustentada principalmente por un casting joven, promete ser más que un fútil romance adolescente en pantalla, promete, servir como herramienta de conversación profunda sobre el aprendizaje de la vida referente a buscar el amor mirando el alma más allá del físico, en cuestión de conexiones personales es importante ampliar nuestras perspectivas desde donde miramos la vida y desde donde miramos el mundo; esto nos lleva a un terminó que se está poniendo muy de moda en la actualidad y que requiere mucha atención para descifrarlo y así poder llegar a comprenderlo: la Pansexualidad.

Los promocionales de este film nos invitan a ver una película dinámica, cambiante en cada momento como representación de ese cambio que “A” necesita “Cada Día”, como representación de ese cambio constante que todo adolescente experimenta, probablemente, cada día.

Asistamos al cine, acompañemos a ese público joven a ver esta interesante película, y posterior a su visionado, reflexionemos y comentémosla con ellos, de esa manera aprendemos todos sobre las temáticas tan importantes para nuestros jóvenes.

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Rafael Murillo Selva, actor desde los orígenes.

Al referirme a la figura del maestro Rafael Murillo Selva, es menester mencionar primero y personalmente, que se distingue como un gran amigo de sus amigos y profesionalmente, como un extraordinario ejemplo a seguir. En el Arte y la Cultura de Honduras, citar su nombre es marcar un referente fundamental en el desarrollo de nuestras artes escénicas en muchos sentidos. Como gestor de proyectos, como director de Teatro y como teórico investigador, ha dejado un legado muy valioso y, de alguna forma, incalculable. Es un intelectual extremadamente disciplinado que ha compilado un buen número de sus escritos en una edición preparada por La Universidad Nacional Autónoma de Honduras en 6 libros que se presentan como “Obras Completas” de Rafael Murillo Selva Rendón.
En esta ocasión, no obstante, quiero compartir y dar énfasis a una faceta muy poco conocida de nuestro amigo Rafael, quién debe ser necesariamente mencionado en la construcción del cine hondureño y del cine colombiano desde sus orígenes. Como productor y como actor, especialmente en esto último, destaca y sobresale en la película colombiana “El Rio de las Tumbas”, una película dirigida en 1963 por Julio Luzardo y llevada a cabo principalmente por el grupo teatral bogotano de “La candelaria” del cual nuestro compatriota Murillo Selva fue y sigue siendo parte fundamental.
El pasado lunes, después de tomar un café y disfrutar de una extensa conversación con este insigne actor y director hondureño, programé un primer visionado de esta película. Fue una noche reveladora para todos los cinéfilos que acudimos al Centro Cultural Padilla-Suarez en barrio Palmira. Con la presencia del invitado especial, Rafael Murillo Selva, vimos por primera vez todos – incluyendo, increíblemente, el propio Murillo Selva- la película “El rio de las tumbas’.
“La memoria se me encabrito y repase  los años LOCOS  de esos creativos  y desafiantes tiempos en que fundamos  «LA CANDELARIA»  y Colombia  hervía de nuevas rutas, que se abrieron a punta de esfuerzo, de trabajo  y de imaginación” me expresó el amigo Rafael.
Proyección de la película
Sobre el film.
El rio de las tumbas se une a la extensa filmografía llamada “Nuevo Cine Latinoamericano” que toma postulados del Neorrealismo Italiano, en hacer confluir fuerzas creativas  y voluntades reales de cambio en una propuesta exploradora de la realidad social de nuestros países. Aunque parece en suma una película sencilla, abraza una profundidad contextual que no pierde vigencia ni se ciñe a fronteras territoriales; pues bien, nos habla de la realidad de un pueblito sureño en Colombia, no nos es difícil ubicarla en cualquier pueblito y realidad rural hondureña. El título ya acarrea una fuerte metáfora, ese río –testigo y recorrido- del caudal de muertes que desde ese entonces ya se denunciaban en los comienzos del conflicto armado en Colombia. Los poderes –político-estatal-espiritual- en pugna y en plena guerra declarada, usan al pueblo como vehículo para hacer sobresalir sus propios intereses.
Con momentos propios de nuestro surrealismo fluir en Latinoamérica, está película nos retrata una serie de personajes que reconocemos en cada uno de nuestros países.
Buscando referencias primarias que me hablen de esta película me encuentro con una nota muy interesante que publica la Revista colombiana “Cromos” en Septiembre de 1965 (en la semana en que esta película llegaba a cartelera comercial).  En esta nota de promoción, la revista enfatiza que “[e]ste film es la primera anotación al haber de la contabilidad cinematográfica colombiana.”
Esta misma revista, en noviembre de ese año, daba cuenta de la participación de nuestro actor hondureño, destacándolo por sobresalir de todo el elenco cuando puntualmente se refiere a que, por la dinámica misma de la película, en la mayoría de los actores “cuando no son de la talla de Santiago García, el cura; de Rafael Murillo, el secretario del alcalde, y de Carlos Perozzo el chulavita, la disciplina se desbanda.” A este tema se refiere Murillo Selva en nuestra conversación y me comenta que su labor en producción de campo en esta película fue además,  controlar y canalizar todo el ímpetu de los participantes en ella pues era la primera vez que tenían una experiencia rodando para las cámaras y con toda la organización y logística que esto conlleva se tornaba todo cada vez más caótico.
Desde fechas recientes estoy en comunicación con el Sr. Julio Luzardo, director de la película, gracias a un primer contacto llevado a cabo por medio de la actriz hondureña Belkis Zulema Ventura; me comenta Julio, que Rafael “logró un personaje muy especial en la película” y además que “ su trabajo en la producción fue muy determinante para que este proyecto fílmico se pudiera llevar a buen puerto”, “que no hay manera en como pueda agradecerle toda su colaboración en este proyecto”. Con estas palabras, viniendo de uno de los más grandes maestros colombianos del Cine, reconocemos el aporte de Rafael Murillo Selva al cine de Colombia y nos enorgullece que, con ello, escriba una página importantísima a su vez, para el cine de Honduras.
Rafal Compartiendo con algunos de los asistentes
Queda abierta la puerta a seguir investigando todo el trabajo que este ilustre actor desarrolló en Colombia, tanto en Cine como en Televisión, así como volvernos a reunir para disfrutar nuevamente de esta maravillosa película –documento y herencia histórica del cine de dos países hermanos.
Un placer y un honor compartir contigo esta especial «premier». Gracias maestro!
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Toby Sebastian y Antonio Banderas

 

«La Música del Silencio» Una película para nuestro Corazón

“La Música del Silencio”, una película para nuestro corazón.

Vivimos en un mundo que puede ser muy hostil si padecemos alguna discapacidad ya que, realmente, los retos se multiplican, pero así también nuestras fortalezas. En la semana que en nuestro país celebramos la solidaridad hacia las personas con Discapacidad, llega con gran expectación a nuestras salas de cine una película muy especial: “La música del Silencio”, relato biográfico sobre la súper estrella de la Ópera: Andrea Bocelli.

Escrita junto a Anna Pavignano y Andrea Bocelli, Michael Radford dirige esta cinta que en su reparto cuenta con el propio Andrea Bocelli, Toby Sebastian, Antonio Banderas, Jordi Mollà, Luisa Ranieri  y Ennio Fantastichini.

Todos conocen su voz, sus canciones, sus interpretaciones de famosas operas, su popularidad internacional; sin embargo, nadie ha conocido la vida privada de Andrea Bocelli y del arduo camino que inició en un pueblo del campo toscano, hasta llegar a los laureles de su carrera actual.  Poder internarnos a través del cine, en detalles de la carrera de este gran artista y encontrar en ella una gran historia de superación personal, de aceptación de las condiciones que nos impone la existencia, es una excelente oportunidad para valorar un gran ejemplo de vida para todos nosotros.

El amor por la música, la importancia de hacer notar una fuerte voz, pensar sobre la manera que percibimos este mundo y la manera en que nosotros somos percibidos por nuestro color de  piel y aspecto físico, nos hace reflexionar sobre la diversidad de voces que nuestro mundo tiene y nos invita a sentarnos para poder escuchar mejor. Estas son algunas de las expectativas que llevo para disfrutar de esta película. Será una oportunidad de conocer más a fondo esta historia de inspiración sobre uno de los artistas más carismáticos de nuestro tiempo.

Es de la mayoría conocido que Bocelli pudo no haber nacido, debido a un aborto recomendado por los doctores quienes al saber que el bebé nacería con discapacidades, sugirieron a una joven Edi Aringhieri interrumpir su embarazo.
El mismo cantante agradece la valentía de su madre en la canción: «Quiero vivir así, el sol en mi rostro. Y yo canto feliz y graciosamente. Quiero vivir así con el aire de las montañas, pues este encanto no cuesta nada.» De esta manera, su vida es un canto a la valentía, a la determinación de abrazar todas las vicisitudes de la vida.
Para toda persona con alguna discapacidad, el apoyo de la familia y amigos es crucial; por lo tanto, es necesario que conozcamos de estas historias y que tengamos el espíritu fuerte y listo por si la vida nos pone en una situación donde tengamos que, al igual que Edi, tomar una valiente y correcta decisión.

Andrea Bocelli ha desarrollado una voz muy potente no solo en su música, sino también en su labor humanitaria con su fundación, con la cual ayuda a que muchos niños de comunidades en desarrollo puedan tener las mejores oportunidades para sobresalir y con todo ello, crear un mundo mejor.

Corramos la voz, nuestra voz, para que nadie se pierda esta maravillosa historia de lucha y de éxito, aun con las dificultades que la vida propone en su caminar. Valoremos el buen cine independiente que nos llega a las salas de cine comercial, y celebremos las grandes historias.

 Darwin Yaney Mendoza
Crítico de Cine

Blumhouse: “Truth or Dare” vamos a ver ahora cual es el juego.

 

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Apoyemos el cine independiente que llega a nuestras carteleras comerciales.

“Pequeñas” películas que con bajo presupuesto están manteniendo un mercado cinematográfico y sirven de plataforma para mostrar nuevos talentos. Algunas de estas “modestas” producciones como “Perros de reserva” 1992, “Whiplash” 2014 y “Get Out” 2017 son ahora puntos clave en la historia del cine universal.

Dentro de la definición de cine independiente casi nunca solemos incluir al género de terror o thriller de suspenso, se piensa mucho más en el cine de autor o el cine experimental, sin embargo, en la última década, las películas de terror que han marcado mas la influencia, son producciones de bajo presupuesto que han roto todas las expectativas y han creado una serie de franquicias que están dejando un legado muy marcado, entre ellas podemos destacar, “Insidius” Paranormal activity” y “The purge” producidas por una casa independiente y un visionario con muy buen olfato para que pequeñas producciones se conviertan en éxitos de taquilla.

 

Jason Blum, un estudiante de arte muy sensible para la apreciación de propuestas innovadoras, se adentra desde su juventud de lleno en la producción de películas y muy pronto crea su propia casa productora llamándola literalmente “Blumhouse.”

 

Este “quimérico” empresario independiente sacó, en 2009, del interior de una casa la “Actividad Paranormal,” fortaleciendo las bases de un, cada vez mas popular, formato de películas que se apoyan en el found footage (Material encontrado), muy recordado por “El proyecto de la Bruja de Blair”. Su táctica es mantener y respetar la independencia de cada proyecto, inyectándoles relativamente pequeños montos de dinero para sus producciones y una muy buena estrategia de mercado, logrando así, minimizar los riesgos de pérdida y ofreciendo una buena plataforma para que cineastas emergentes muestren su talento y persigan su sueño. Otro de los títulos que nos lleva a agradecer a este productor apostar por los creadores y creadoras jovenes es “Whiplash” con la que no solo lanzó al estrellato a su director Damien Chazelle, sino que nos regala una de los mejores filmes de los últimos cuatro años, demostrando con esto, que quiere explorar nuevos territorios en el cine y no le teme arriesgar por otros géneros cinematográficos.

 

Como productor, se le conoce muy bien por acatar mucho la visión de los creadores y se menciona que poco incide en los resultados narrativos, enfocándose mayormente, en la estrategia de lanzamiento y de distribución, pero respetando tanto el guion como el corte final en edición de los directores. Esto le llevó a poder trabajar en 2015 con una figura emblemática del cine como Night Shyamalan, uno de los padres más jóvenes de este género del neo-suspense con quien produjo “The visit” que resulto el regreso, por la puerta grande, de este director y otra apuesta ganadora de este gran visionario productor, el año pasado coprodujeron la magnifica película “Split” (Fragmentado) una de las mas notables ausencias en los premios Oscar. Por otro lado, ese mismo año coprodujo “Get Out”, la cual sí, en la pasada Gala de los premios Oscar causó tanto revuelo.

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Este mes no llega a las salas comerciales “Truth or Dare” dirigida por un todavía novel director Jeff Wadlow, quien escribe el guión junto a Michael Reisz, Christopher Roach y Jillian Jacobs.

 

Esta casa productora ya nos tiene acostumbrados a no hacer caso de la simplicidad de sus títulos: “Paranormal Activity”, “Guija”, “Creep” e “Insidius” por ende es mejor dejarse llevar y ser atraído por el terror y por estas propuestas de suspenso contemporáneo como “Truth or Dare”.

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Darwin Yaney Mendoza

Critico de Cine

Mazinger Z: La Ingeniería y la Ciencia en la creación de las mitologías modernas.

Los años 70´s y los 80´s quedarán marcados en la historia universal por ser la época en que se renovaron los conceptos de la lucha entre el bien y el mal, a través de propuestas de consumo comercial pero con un amplio trasfondo filosófico.

Franquicias como “Star Wars” y “Los Caballeros del Zodíaco” alimentaron en nuestros años de infancia a toda una gran generación de jóvenes que, hoy en día, capitaneamos un cambio sustancial en el mundo desde puestos líderes y con una gran consciencia de defensa por la humanidad y los valores humanos.

Mazinger Z, se sumó a la creación de esta nueva mitología moderna y nos deja, en su profundidad, un sentimiento de lucha por el bien común y una aptitud muy marcada por la investigación, la ingeniería y la ciencia.

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Con un sencillo ejercicio de memoria, puedo regresar al pasado en tiempo de mi infancia y recuerdo claramente, desde los primeros capítulos de esta serie, la admiración profunda por el Dr. Kabuto y todo su trabajo científico en el Monte Fuji, creando y perfeccionando con tecnología de punta dispositivos que nos ayudarán a mantener seguro el planeta de los ataques del vengativo Dr. Hell.

Todo este universo creativo viene de la mente de Kishioshi Nagai (Go Nagai) y de las influencias de grandes maestros del Manga como Osamu Tezuka creador de Astroboy. De la misma manera, podemos ver la influencia de Nagai en super producciones de Hollywood como “Avatar”, “Gigantes de Acero” y la muy popular franquicia “Titanes del Pacífico”; todas éstas, deudoras del género MECHA (Mechanical) que alude, entre otras cosas, a la ingeniería mecánica como la herramienta más importante del futuro de la humanidad.

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Este 2018, en conmemoración a los 45 años del personaje en Manga, la gran productora Toei Animation nos trae una nueva película dirigida por Junji Shimizu con el título “Mazinger Z: Infinity”, para que podamos nuevamente disfrutar de la personalidad de Koji Kabuto, nieto del Dr. Kabuto y valiente e incorregible piloto del planeador (nave control de Mazinger); ahora mas adulto y de Sayaka Yumi, bella y muy fuerte heroína de esta historia, atractiva contraparte en la lucha por vencer los malévolos planes del Dr. Hell y sus secuaces, el escuadrón de los Máscaras de hierro y su líder el Varon Ashler.

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Este personaje, dentro de esta mitología moderna, posee una de las más profundas propuestas conceptuales sobre la personalidad del ser humano, al ser femenino y masculino a la vez; sin embargo, sin darnos mucha o ninguna explicación en su momento, en nuestra infancia se nos presentó a este personaje que va mucho más allá, pues pasa de ser binario -hombre o mujer- a un tercer momento en el que es Hombre y Mujer a la vez, demostrado por la imposición de dos registros vocales, expresándose al unísono. Esta estructura trial en un solo ser es profundamente interesante, no solo porque desde una concepción muy humanista nos une como seres humanos, sino porque desde un punto de vista espiritual, nos presenta tres momentos claramente diferenciados que abogan por la diversidad y la unidad al mismo tiempo.  Dando muestras de ser políticamente poco correcto, se nos presentaba en ese tiempo de infancia, otro personaje infame que se volvió entrañable: el Conde Decapitado, literalmente un líder del mal que hablaba con su cabeza separada del cuerpo y sostenida sobre sus manos, no recuerdo haber sido influenciado negativamente por esta visión, al contrario, sería uno de los personajes que agradecería mucho retomaran para esta nueva entrega en forma de película.

Con mucha expectativa esperamos esta gran cinta de ficción, que en sus previas imágenes nos regala muestras del extremo cuidado y alto nivel de dibujo y animación en su factura. Esperamos, los fans de este universo nostálgico, que nos vuelva a emocionar y poder compartir con las nuevas generaciones el anime que cultivó nuestra infancia hace algunos años atrás.

Darwin Yaney Mendoza

Crítico de Cine

 

 

«La Tumba de las Luciérnagas»

“La tumba de las luciérnagas”, un lacerante poema visual sobre la vida y la muerte.

Este sábado 24 de Marzo, entrada gratuita -filMIN- a las 2 pm., en un homenaje al estudio Ghibli, presentamos en el Museo para la Identidad Nacional esta obra maestra del cine mundial: “La tumba de las luciérnagas.”

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Tenía pendiente el firme propósito  de compartir con nuestros lectores la figura de Isao Takahata, uno de los autores de Cine que más admiro y por ende, un referente en mi trabajo personal como artista. Creador insigne y cofundador junto a Hayao Miyazaki y Toshio Suzuki, del afamado estudio japonés de animación: Studio Ghibli

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Recientemente visitó nuestro país la Doctora en Historia del Cine, Laura Montero Plata, invitada por Japan Foundation y la Embajada de Japón en Honduras, en el marco de sus actividades de extensión culturales y educativas.

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Laura Montero, con la que tuve el placer de departir largamente, es considerada una autoridad académica en el cine de animación japonesa y una conocedora en profundidad de la obra del autor y muy querido director Hayao Miyazaki; de tal manera, que su tesis doctoral fue publicada por Dolmen con el libro -bellísimamente editado- “El mundo invisible de Hayao Miyazaki»; y ahora, contamos además con su último libro editado por Héroes de Papel, el que es justamente un monográfico dedicado a su película favorita de Miyazaki: “La princesa Mononoke.”

 Entrando ya de lleno en la entrevista, comienza la conversación y ante una pregunta general y obligatoria, ¿Cual es tu película favorita del Estudio Ghibli?, me encuentro con una grata sorpresa.

Laura manifiesta que “hasta hace cuatro años podía responder claramente que su película favorita del Estudio Ghibli, en general, es “La tumba de las luciérnagas” pero, después del lanzamiento de “El cuento de la princesa Kaguya”, ya no lo tiene claro, pues esta última, además de tener una gran carga emocional, tiene un componente feminista que nos permite ver el papel de la mujer desde una perspectiva muy contemporánea.” Por lo tanto, concluye que no tiene una película favorita de este extraordinario y prolífico estudio de cine de animación, sino que son dos:

  “La tumba de las luciérnagas” y “El cuento de la princesa Kaguya”, ambas obras dirigidas por el gran Isao Takahata, increíblemente uno de los creadores de cine de animación injustamente subvalorado, como muchos otros grandes directores de anime, probablemente por la apabullante sombra de Hayao Miyazaki.

 ¿De entrada que podemos decir del estudio Ghibli?

 “Si tuviese que destacar algo del Estudio Ghibli, lo primero que me viene a la cabeza es valorar la figura de Toshio Suzuki” confiesa Laura. “Este genio para los negocios, es el gestor primario y el estratega en la producción de las películas; a él se debe la creación de Nausica del Valle del Viento, tanto como manga como película”. Como ya sabemos, en la historia de esta casa productora, esta película es prácticamente el germen y el impulso que hizo que estos tres visionarios Takahata-Suzuki-Miyazaki se unieran y crearán en 1985, lo que hasta hoy día se mantiene como el referente mundial del cine de  animación japonesa. Es él (Suzuki San) el artífice de las mejores campañas de promoción que han hecho el gran impacto en el lanzamiento de las películas, y es Ghibli, su productiva filosofía de trabajo y, sobre todo, su altamente comprometido equipo humano, quienes pueden preparar dos proyectos a la vez para el lanzamiento de dos películas simultaneas en el mismo año; como así ocurrió en 1988, después de trabajar, por un lado Hayao Miyazaki dirigiendo “Mi Vecino Totoro” e Isao Takahata por otro, dirigiendo “La tumba de las luciérnagas.”

 Centrándonos en “Hotaru no Haka” título original de “La tumba de las luciérnagas,” obra maestra que  cumple ya 30 años de creación, es necesario recordar que está basada en una novela homónima de tinte autobiográfico, escrita por Akiyuki Nosaka. La historia nos ubica en la Segunda Guerra Mundial, Japón y su ciudad Kobe siendo prácticamente destruida estratégicamente con bombas incendiarias.

La trama sigue a Seita y su pequeña hermanita Setsuko que, dentro de su gran inocencia, ignora no solo los motivos de esa terrible situación, sino también las consecuencias reales y mortales que los envuelven.

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Podría enumerar aquí muchas razones por las que esta magnifica película es imprescindible; no obstante, hoy nos ceñiremos a algunas pocas, las más reseñables. A ésto, Laura me argumenta una muy importante: “Esta película cambia un punto de dirección en la manera que el cine japonés retrataba el tema de la guerra”. Hasta este momento, en la filmografía nipona, no se había realizado una autocrítica sobre el nivel de responsabilidad que tenemos como seres humanos y como sociedades en los eventos inmediatamente posteriores a la guerra; esta película, igual que la novela, hace un ejercicio de introspección sobre el trato que damos a las personas víctimas de un conflicto bélico, especialmente los niños y niñas que, huérfanos, quedan en el desamparo y sin protección. Desde los primeros instantes de la película, advertimos dos claros opuestos que llaman nuestra atención, por un lado, la incomodidad desmedida por la conmovedora presencia de estos niños y, por otro, la atención hacía ellos y dentro de las pocas posibilidades, la ayuda para su supervivencia. En este sentido, “La tumba de las luciérnagas, marca una evolución en el discurso que el cine japonés tenía sobre la guerra hasta ese momento.”

En términos de técnica, esta magnífica pieza del cine de animación también nos lleva a otro nivel, como comparte Laura, “por su calidad narrativa y estética.”

Desde el punto de vista narrativo, fiel a la novela, es destacadamente realista e intimista, pues acompañamos en un duro viaje al pasado a nuestro protagonista Seita. Sin embargo, centrándonos en la tierna figura de la pequeña Setsuko, podemos ahondar en esta triste historia a través de secuencias cada vez más duras.

En cuanto al trabajo de animación, es un deleite técnico-visual, la anatomía humana es tratada con un alto nivel de naturalidad y la imagen está pensada en tonos grisáceos, con el fin de trasmitirnos esa sensación de un ambiente de postguerra, con poco espacio para la esperanza.

Finalmente quisiera reseñar algo esencial en nuestro departir específico sobre la obra de Isao Takahata, donde Laura acota que “es un director que hace cine, no para todos los públicos, y lo hace conscientemente. No le interesa llegar a un público general; muchos no lo saben pero, a diferencia de Miyazaki, él no es animador, sólo dirige. Esto le permite ser variable y cambiar de estilos, o adaptar las imágenes a la narrativa y no al contrario…, el cine de Takahata no es un cine tan divertido, como otros directores, pero es un maestro en el realismo.”

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Este sábado 24 de Marzo, entrada gratuita -filMIN- a las 2 pm., en un homenaje al estudio Ghibli, presentamos en el Museo para la Identidad Nacional esta obra maestra del cine mundial: “La tumba de las luciérnagas.”

Quedan todos cordialmente invitados a disfrutar de esta importante proyección y, si gustan, sigamos conversando sobre la maestría narrativa del maestro Isao Takahata, con su especial poética sobre la vida y la muerte.

Takahata no debería ser un apellido desconocido para los amantes de los dibujos animados, pues es el director de “Heidi, la niña de los Alpes” una de las series de animación que ha marcado la infancia de muchas generaciones en casi todas partes del mundo, tanto por su ternura, así como, por su estilo de dibujo y narración.

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De plática con el actor hondureño Jorge Osorto

_MG_6360Foto: Ricky Galvez

Me senté a platicar con Jorge Osorto, una de estas tardes donde el clima nuboso y un cafecito acompañan. Un buen escenario –nunca mejor dicho- para platicar de Cine con alguien al que le apasiona el Séptimo Arte y, sobre todo, una buena excusa para seguir ahondando en el panorama del Cine Hondureño.

En ese primer instante del encuentro, veo a Jorge sentado frente a m frente a mí con su característico risueño rostro apacible y comienzan a desfilar en mi mente ese gran número de personajes representados por este gran actor nacional. Profundizar un poco más en lo que hay detrás de estos diversos personajes que hemos visto en peliculas hondureñas contemporáneas es un motivante aliciente para mi.

Darwin Yaney Mendoza: Jorge!, el comentario reiterado en la profesión es: “Jorge Osorto aparece en casi todas las películas hondureñas!”, ¿eso es cierto?

Jorge Osorto: NOOO! (seguido de unas risas)

Yo también he escuchado ese comentario y me lo han dicho directamente: “vos estás en todas las peliculas”, pero no es cierto… porque con Mathew (Kodath) por ejemplo, él ha hecho creo que cuatro peliculas y yo solo estoy en esta última que está por terminarse (“Trapos sucios”) … y ahora, el cine nacional esta teniendo un auge de diferentes productoras que están creando peliculas y no se ha dado el caso que haya podido trabajar con ellas de momento, eso lo debo decir para hacer justicia. Lo que si puedo decir  es que he participado en once largometrajes y en unos dias se sumará otro más, haciendo mi primer docena de largos.

 

D. M.: Largometrajes de los cuales, ocho han pasado por las salas comerciales a lo largo de más de diez años y cuatro –de los que hablaremos más adelante-que esperamos lleguen en lo que queda de este año.

Y además, si hablamos de cortometrajes… otro tanto…. y allí, sí me gustaría mencionar a nuestros lectores y valorarte a ti directamante una virtud muy reseñable, pues habla muy bien de Jorge Osorto el actor y el gestor del naciente cine hondureño; y es que trabajas con los directores más renombrados pero también te das el tiempo de apoyar producciones de directores y directoras noveles,  por ejemplo grandes promesas de nuestro audiovisual como Marlon Herrera con quien has colaborado en sus dos primeros cortometrajes: “Tanatos” e “Histeria”.

 

J.O.: Si, primero yo pienso que no tenemos alternativa…Si queremos hacer crecer el Cine, tenemos que hacer de todo…Si no tenemos industria, nadie me puede venir a decir: “vas a correr el riesgo de trabajar en algo que no te va aportar nada economicamente” o “eso no va a tener cobertura”…Lo importante es que, a esa persona que se ha tomado la molestia de escribir un guión y que tiene las ganas y los deseos de ver su trabajo en pantalla grande, se le apoye de alguna manera. Para mi lo hago, de verdad te lo digo, con mucho gusto… cuando han venido jovenes y me presentan sus propuestas, yo también me siento alagado pues valoran mi trabajo como actor y yo lo miro como un compromiso con el cine nacional, conmigo y con las personas que voy a trabajar… porque yo creo qe no es justo descorazonar a alguien con deseos e iniciativa que de repente puede llegar a ser un cineasta maravilloso. Eso, no ocurrirá de mi parte.

 

D.M.: Y hablando de ese compromiso con el Cine y con tu trabajo, notamos como los personajes que interpreta Jorge Osortole exigen… diríamos… que mucho!… porque a Osorto lo hemos visto desnudarse en pantalla y hasta raparse el pelo para agregar con profesionalidad mayor realismo a un determinado papel…(risas…)

 

J.O.: Bueno,  a propósito del striptease…, el director de la pelicula (“De lo que sea”) me dijo cuando estaba escribiendo el guión,  que habia un personaje que era el actor mayor de la pelicula y que en un determinado momento esta persona se desnudaba… y a mí de inmediato, lo que me atrajo fue el reto de hacer esto…, porque como podrás ver! no tengo un cuerpo trabajado para verse bien… y como actor, esos son retos que van sumando a la experiencia… porque yo, desde hace mucho tiempo, aprendi que ésto que uno llama cuerpo es un instrumento de expresión que uno va a utilizar haciendo teatro o haciendo cine y que uno, tiene que aceptarse tal como es…, como persona y como artista también…

 

D.M.:  En eso estoy completamente de acuerdo contigo… porque en Cine, el fisico es muy relativo y los profesionales que no se condicionan a encontrar sus papeles para lucir lo mejor de su fisico, ofrecen una gama mucho más amplia de registros y de experiencias actorales… y eso demuestra, de alguna manera, que para ser actor o actriz no importa ni la edad ni las caracteristicas fisicas pues siempre habrá un papel esperando para ser representado… y puede llegar en cualquier momento… Recordemos al actor latino Danny Trejo…., que como él mismo dice, guapo no es…; y sin embargo, es uno de los actores que más participaciones en peliculas de Hollywood tiene…

 

J.O.: Sí!.. no le falta trabajo… Fijate! que con quien comenté mucho de ésto es con la persona que hizo todo el trabajo de coach de actores para la película “El Xendra” (Maisa Rodríguez)… porque yo le comenté, que estaba llegando un momento que me ponía a pensar: ¿por qué no me encontró este crecimiento del cine hondureño estando yo más joven? Pero ella me decia…, que no importa la edad para nada, pues en el Cine hay una gama extensa de características en los personajes, solo se trata de encontrarlas y saberlas representar…

 

_MG_6365Foto: Ricky Galvez

D.M.:  Jorge, si comentamos sobre los largometrajes en los que has trabajado podemos nombrar, además de los que ya hemos mencionado anteriormente, otros como: “Anita la cazadora de insectos”, “11 cipotes”,  “Cuentos y leyendas de Honduras” y “No amanece igual para todos”… En esta filmografia, y más en las producciones que vienen proximamente en cartelera: “Morazán”, “Bandoleros” y “Cipotes”,  encontramos un componente cultural e histórico que evidentemente te interesa mucho….

 

J.O.: Sí,… yo siempre he sido una persona que no he pensado en hacer Cine nada más porque si…sino que yo he querido ligar todo ésto a lo que es propiamente lo cultural, porque el Arte es Cultura y la Cultura trae la temática de la Identidad y pienso yo… después de observar como los demás paises centroamericanos se abanderan siempre con sus personajes culturales… a los hondureños, a mi parecer, nos hace falta trabajar mucho en este campo…porque por ejemplo, un amigo mexicano me comentó que él pregunto a un grupo de estudiantes: ¿quién es Ramon Amaya Amador? y todos dijeron que no lo conocían…, esto es lamentable.

 

D.M.:  El próximo proyecto que ya casi veremos en salas comerciales es la película: “Se lo dije Lucecita”

 

J.O.: Sí…, es un proyecto que se viene preparando desde el año 2015 y me encanta esta película como actor por dos rezones: a mi  me buscaron para este personaje porque me vieron defendiendo una canción mia en el Festival de Canto inédito nacional OTI… en aquellos tiempos cuando comence como compositor… y después de eso no pude, salvo algunas incursiones, desarrollar una carrera en la música y el canto y como consecuencia de ello, yo me considero un cantante frustrado… En la película, dentro del personaje que se llama Pancho Rueda, voy a cantar una canción (que por cierto es mía…) y eso es algo reivindicativo; y por otro lado,  desde la actuación me gusta mucho esta pelicula porque el personaje de Pancho tiene una transición bien marcada de un Don Juan de antaño a un personaje más joven, activo, y muy diferente, y eso me atrae… y yo sé, que estas cosas al público le van a gustar…

 

Estaremos pendientes de esta nueva actuación de Osorto, seguro que no nos dejará indiferentes, una vez más.

Jorge Osorto, un valor nacional en alza de nuestro Cine. Gracias por tu tiempo y tu talento.

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Darwin Yaney Mendoza | Julio 2017

 

Cine Documental: el oficio de contar historias a través de una cámara

Darwin Mendoza y Sam George

Cineastas Darwin Mendoza y Sam George

El documental, cada vez más se posiciona como una experiencia sensorial artística y una herramienta de comunicación eficaz e indispensable. Su complejidad, que involucra un punto de vista subjetivo y valorativo por parte de sus autores y la capacidad de confluir varias vías de exposición de una temática en particular, lo hacen evitar caer en la categoría de simple documento, como lo pueden ser los reportajes noticiosos y los testimonios que, son elementos importantísimos dentro de un trabajo documental pero en sí mismos siguen siendo fragmentos de realidad sin contrapuntos y orquestación.

Actualmente nos visita en nuestro país, como parte del jurado calificador en el Festival de cortometrajes de El Heraldo,  el documentalista Sam George con quién comparto la pasión y el compromiso de la creación de Cine Documental. Conversando con él sobre la importancia de este tipo de cine, me expresa que lo considera “una ventana o un lente que nos permite conocer de mejor manera lo que esta ocurriendo en nuestro mundo” y gracias a las posibilidades de movilización de un equipo mínimo de grabación, nuestra concepción de “lo que nos rodea” puede expandirse a casi todos los rincones de las diferentes culturas del planeta.

Un mundo que esta cambiando muy aceleradamente, por razones y tópicos determinantes debido a la globalización, necesita “que tengamos conversaciones donde todos los implicados en el tema estemos involucrados, y debemos buscar maneras de traer siempre, más personas que participen de estas conversaciones” para no dejar a nadie al margen, me comenta este productor estadounidense, cuyo trabajo personal es un ejemplo de una buena exploración democrática de nuestras sociedades. El cine documental hace más factible poder comunicarnos entre todos y conversar en un nivel de mayor entendimiento, a diferencia de estar leyendo complicados informes, donde muchas veces tienes que ser un especialista en esos temas para poder entender los detalles importantes de la situación política y social.

Existen muchas maneras de acercarse a la creación documental, por mi parte, mi formación técnica y artística da las pautas para un posterior trabajo de investigación en el proceso de creación, la dinámica de realización que Sam emplea en sus trabajos personales es distinta, prima la investigación y el análisis y esto determina los recursos técnicos y artísticos a usar, puesto que su formación profesional viene primero como analista de política y economía internacional y luego incursiona en el oficio de contar historias a través del cine. Estas maneras, como cualquier otra dinámica, resultan muy eficientes al momento de encarar la producción de un trabajo documental y crea productos en cierta forma muy únicos y también prácticas herramientas de diálogo, donde las ideas y el contenido de temas muy difíciles de exponer son depurados mediante unos recursos audiovisuales eficaces, y manejados igualmente con responsabilidad desde la plataforma de la ética profesional.

A través del video y del cine, podemos compartir historias y hacer más accesible los puntos de vista contrapuestos sobre los temas fundamentales, que de no ser expuestos abiertamente, llevan a malos entendidos y a motivaciones particulares para comenzar conflictos, uno de los usos fundamentales del cine documental, más allá del entretenimiento, es solventar conflictos a través de una fluida comunicación.

Nuestra filmografía hondureña es rica en producciones documentales y se refleja en la sustancial participación de estas piezas en festivales de cine nacional e internacional. El Festival de Cortometrajes de El Heraldo y el Festival Icaro Honduras cada año recogen gran parte de esta producción y la catapultan a una mejor visualización internacional, con ello se genera una gran ventana por donde podemos compartir con el mundo nuestras temáticas más importantes. Algunos documentales indispensables en nuestras cinematografía son “El porvenir” de Oscar Estrada y “Quién dijo miedo” de Katia Lara.

No podemos negar que existe un gran público general consiente de los beneficios de  buscar entretenimiento, y a la vez, estar informado a través de películas documentales, está en nuestra naturaleza la inquietud y la necesidad de aprender, así se abre constantemente el camino y los retos hacia el futuro de cine documental. Muchos son ya los referentes de este tipo de cine que remarcan la idea de lo incisivo que puede ser el cine documental y la importancia de su accionar en el rumbo que queremos que lleve nuestro mundo para un futuro más equilibrado. El trabajo de Erol Morris con “La delgada línea azul”; “Bolling for Columbine” de Michael Moore; “Los Ofendidos” de Marcela Zamora; “La Vida loca” de Christian Poveda; “Which Way Home” de Rebbeca Camissa, son algunos de los ejemplos del cine documental de los últimos años que nos ha permitido entablar diálogos constructivos para encontrar mejores maneras de hacer avanzar a nuestra sociedad.

 

Quiero agradecer a los coordinadores de los Festivales de cine nacional por seguir apoyando y brindando espacios para el cine documental en Honduras, y a la vez, quiero estimular a los jóvenes creadores a que incursionen, como nosotros, más fuertemente en el apasionante terreno del documental que ofrece, además de la exigencia técnica, que comparte con el cine de ficción, la satisfacción personal y la garantía que nuestro trabajo audiovisual cumple un rol importante en la construcción de un mundo mejor.

Darwin Yaney Mendoza

CINE HONDUREÑO EN EL MIN

 

filMIN celebró el mes de la patria con mucho cine hondureño.

 Seguimos conversando sobre cine nacional y recalco la importancia de conocerlo más a profundidad. Con la iniciativa del Museo para la Identidad Nacional de ofrecer en el mes patrio, este pasado septiembre 2017, una oportunidad única para revisionar gran parte de nuestro cine, preparé, como coordinador del programa filMIN, una panorámica de cine hondureño que incorporó, durante cuatro semanas, al rededor de 60 producciones nacionales que da cuenta brevemente de lo diverso de nuestra filmografía. En esta retrospectiva de cine hondureño, pudimos ver géneros del cine en ficción y documental que van desde el drama realista, pasando por la comedia, el recuento histórico, el rescate de la identidad nacional, la denuncia de la problemática social, llegando a géneros tan particulares como el musical y la ciencia ficción, todos ellos productos audiovisuales de muy buena factura.

Escuela Francisca Reyes

La línea de tiempo en esta retrospectiva, nos lleva desde el cine de los años 60´s hasta el cine más actual que recientemente pasó por las carteleras comerciales, por tanto, tuvimos la oportunidad de analizar la evolución de las técnicas y recursos estéticos que nuestras y nuestros cineastas han utilizado partiendo del contexto en el que realizaron las diferentes propuestas audiovisuales que presentamos.

Algunos de los descubrimientos a lo largo de esta gran proyección del cine hondureño, y tratando de ubicar el cine nacional en el panorama internacional son, primero, que el audiovisual nacional (en todos sus formatos, fechas, temáticas y recursos) es favorablemente extenso y que sus vertientes se encuentran y conducen hacia variadas direcciones. Por otro lado, encontramos que el nuestro cine es una disciplina arriesgada que ha coqueteado con casi todos los géneros conocidos del cine universal: Acción, aventura, comedia, artes marciales, ciencia ficción, suspenso, social-político, terror, super héroes, y más.  Así también es importante resaltar que tenemos audiovisual realizado tanto por hondureños, como por amigos extranjeros trabajando el audiovisual en nuestro contexto. Producciones de los hondureños: Sami Kafati, Mario López, Francisco Andino, Katia Lara, Hispano Durón, Boris Lara y muchos otros, así como producciones en Honduras de amigos extranjeros como: Raul Ruiz, Erika Harzer, Mathew Kodath, Benjamin Metcalf, Cary Fukunaga, Alli Allie, Rebecca Camissa y otros fueron parte de esta panorámica fílmica. Rene Pauk viene a ser caso aparte ya que es considerado un francés muy hondureño que ha dedicado su carrera a nuestro cine, actualmente dirige su proyecto de vida en la Cinemateca “Enrique Ponce Garay” de la UNAH, con quien comparto el constante esfuerzo de seguir promocionando permanentemente y de la mejor manera, la cinematografía de nuestro país.

filMIN

La importancia de iniciativas como esta radica en la agrupación, recolección y preservación  de la herencia de imágenes y sonidos de Honduras para ponerlos a la disposición de todo aquel que quiera explorar nuestra historia fílmica y, con ello, nuestra historia cultural, política y social a través del cine.

La gran afluencia de público al museo para ver las proyecciones, nos reafirma la idea de la importancia que da el hondureño al apoyo de nuestro cine, y la gran necesidad de contar con más espacios como filMIN, donde poder ver y compartir buen cine y espacios de conversación sobre lo que este tipo de cine nos deja después de la experiencia fílmica vivida.

Que sirva esta experiencia y gran iniciativa como una invitación a fomentar la investigación sobre el cine hondureño, y así conocer cada vez más detalles de la diversidad de nuestras expresiones culturales y artísticas enmarcadas en las películas hondureñas

Publico filmin